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말년의 마티스는 그림을 그릴 힘이 없어서 가위로 색종이를 투박하게 잘라붙이는 작품활동을 했다고 해요.
우리도 단순한 형태로 색종이를 잘라 붙이는 콜라주 활동을 통해 나만의 햄버거를 만들어봐요!
세부설명: https://blog.naver.com/jesin/222213865476
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야수파 화가 마티스의 유쾌한 콜라주 작품 ‘야채 (Vegetables)’
콜라주 작품은 어린 학생들의 창의력을 높이기 위한 교육 수단으로도 많이 사용되고 있는데요. 마티스의 경우 말년의 작품에서 자주 보이기도 합니다.
Source: m.blog.naver.com
Date Published: 8/26/2022
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앙리 마티스 – 나무위키:대문
앙리 마티스가 이 작품을 그릴 때 “내가 꿈꾸는 미술이란 정신 노동자들이 … 나중에는 이것도 쉽지 않자 색종이를 가위로 오려서 붙이는 콜라주 …
Source: namu.wiki
Date Published: 7/26/2021
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종이콜라주의 마술사 마티스 재즈(화가따라 색칠하기 시리즈 …
앙리 마티스는 원색의 강렬한 대비와 거친 붓질로 야수파 화가로 불리는 현대미술의 선구자입니다. 마티스는 회화방법에 대하여 끊임없이 연구한 끝에 …
Source: books.google.com
Date Published: 11/5/2021
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주제에 대한 기사 평가 마티스 콜라주
- Author: 팔레트교실
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- Date Published: 2021. 1. 20.
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야수파 화가 마티스의 유쾌한 콜라주 작품 ‘야채 (Vegetables)’
콜라주 작품은 어린 학생들의 창의력을 높이기 위한 교육 수단으로도 많이 사용되고 있는데요.
마티스의 경우 말년의 작품에서 자주 보이기도 합니다.
아마도 노안이 심해졌을 때 섬세한 붓의 터치보다는 선 굵게 종이를 오려 붙임으로써
사물을 지극히 단순화시켜 표현하는 방법으로 전환한 것이 아닌가 생각됩니다.
위 작품은 종이를 통 크게 오려 붙여 각종 채소들의 모양을 가볍고 단순하게 표현한 것이 특징입니다.
요즘 코로나19로 인해 분위기도 무거운데…..
이웃님들도 너무 심각하게 보시지 마시고 마벼운 마음으로 감상하시면 좋겠습니다.
이번 한주도 건강한 가운데 힘차게 출발하시기 바랍니다.
앙리 마티스가 그림을 그리는 마지막 방법
앙리 마티스(Henri Matisse)의 컷-아웃(Cut-Outs)
미학적 잡담 : 앙리 마티스가 그림을 그리는 마지막 방법
Cut-Out : 잘라서 무엇인가를 만들다
현대미술의 3대 거장이라 불리는 앙리 마티스는 야수같이 강력한 색상을 이용한다는 ‘야수파’ 화풍으로도 유명하지만, 이 ‘컷-아웃’이라는 제목의 콜라주 작품으로도 유명합니다. 종이를 잘라서 만드는 이 ‘컷-아웃(Cut-Outs)’이라는 작품은 그의 인생 마지막 시기에 만들어진 작품이기도 한데요. 현실묘사라는 전통에서 벗어나며 나타난 야수파, 인상파 등의 새로운 화풍을 지나 그림이라 부르기 힘든 그림이 등장하기 시작했던 이 시기 미술의 변화를 적절하게 나타내고 있는 작품이기도 하죠.
그런데 저는 개인적으로 가끔 ‘만약 마티스가 건강했다면 이 ‘컷-아웃’이라는 작품이 등장했을까?’라는 잡담 같은 의문을 가져보고는 합니다. 사실 마티스의 이 ‘컷-아웃’이라는 작품 시리즈는 그가 암 투병을 시작하는 것과 함께 건강 악화가 시작되며 더 이상 붓을 들기 힘든 상태에서 나타난 작품인데요. 가위로 종이를 자르는 콜라주 형태의 이 ‘컷-아웃’이라는 작품을 만들면서도 이를 돕는 조수가 필요했을 정도로 건강 상태가 좋지 못했었다 전해집니다. 마티스는 평생 하루 정해진 시간만큼은 꼭 그림을 그렸던 지독한 노력파로 알려진 인물이기도 하니, 암투병이라는 현실이 그에게 건넨 그림 활동의 중단은 그에게 보통의 사건이 아니었겠죠.
어쩌면 이 지독한 노력파 화가에게 붓을 들지 못하는 건강 악화라는 지독한 환경은 오히려 ‘오려서 그린다’라는 새로운 그리기 방식을 찾아내도록 만드는 환경에 불과했던 것일지도 모르겠습니다. 그가 직접 이 ‘컷-아웃’이라는 작품에 대해 ‘가위로 그리는 그림(painting with scissors.)’이라 언급하며 ‘그림에 대한 포기는 없다’라는 본인의 신념을 말했던 것처럼 말이죠. 붓도 들지 못하는 건강 상태에서도 가위로 그림을 그리겠다라고 선언하는 그의 행동은 지독한 노력이 그의 흔한 일상이었음을 말해주는 것일지도 모르겠습니다.
‘가위로 그리는 그림’이라는 표현과 함께 나타난 ‘컷-아웃’이라는 그의 마지막 작품 시리즈는 ‘그림을 그린다’라는 행위에 대한 고정관념을 파괴하며 미술사적으로도 시기적절하게 나타난 작품이기도 한데요. 원색의 종이로 만들어진 작품의 이미지는 간단함으로 무장한 강력한 색감과 함께 야수파라는 화풍을 만들어냈던 마티스의 평소 그림 이미지와도 아주 잘 어울리는 작품이기도 합니다. 거장이라 불리는 한 명의 예술가가 보여주는 완벽한 변화이기도 한 것이죠. 그런데 가끔 만약 그가 건강했다면 건강 악화로 인해 어쩔 수 없이 선택한 것일지도 모르는 이 ‘컷-아웃’이라는 작품 시리즈가 아닌 또 다른 흥미로운 미술의 변화를 보여주지 않았을까 하는 잡담으로 딱 좋은 생각이 문득 드는 이유는 무엇인지 모르겠습니다.
컷-아웃(Cut-Outs)
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마티스 제2의 인생에 주목하다.
HENRI MATISSE JAZZ and Theater 전시는 야수주의 대표 화가로 알려진 마티스의 말년 작품에 주목한 전시이다. <모자를 쓴 여인>, <초록의 선>, <춤>과 같은 마티스의 야수파적 느낌을 느낄 수 있는 작품이 아닌, ‘컷아웃(Cut-Out)’이라는 새로운 표현 방법으로 묘사된 작품들을 볼 수 있었다.
‘컷아웃’은 종이 오리기 기법이다. 마티스는 고령의 나이로 이젤 앞에 앉아 있는 것도 힘들어, 조수의 도움을 받아 침대나 안락의자에서 컷아웃을 시작했다. 1941년 십이지장암과 폐색전증으로 인한 대수술로 인생의 2막을 열게 된 마티스는 컷아웃 기법을 통해 젊은 시절 유화로 작품을 그리면서 고민해왔던 색과 선 중에 무엇이 우선이 되어야 하는 지에 대한 고민을 떨쳤다. 채색한 종이를 오려서 작품을 제작하는 컷아웃은 선과 색채, 윤곽선과 표면을 하나로 결합했다. 건강 악화로 더는 유화로 그림을 그릴 수 없었던 마티스가 선택한 컷아웃은 붓 대신 가위를, 물감 대신 색종이를 사용하여 콜라주를 회화의 한 요소로 들어오게 했다.
이러한 마티스의 표현 방법은 1947년에 제작된 <재즈> 시리즈에서 두드러진다. 이 작품은 책으로 프랑스 전문판화출판사 테리아드에서 250부 한정으로 제작되었고 주제는 서커스와 연극이었지만, 내용이 가지는 다변성으로 인해 재즈로 책 제목을 정했다고 알려져 있다.
<재즈> 시리즈 중 대표 작품은 <이카루스>이다. 이를 그리스 로마신화 이야기, 작가의 생애, 작품이 그려진 당시 사회적 배경의 관점에서 분석해 보고자 한다.
앙리 마티스, <이카루스>, 1946, 콜라주, 43.4 x 34.1 cm, 조르주 퐁피두센터.
작품의 제목은 그리스 로마신화에 나왔던 이카루스와 같다. 그래서 <이카루스>는 미로동굴을 빠져나와 깃털로 만들어진 날개를 밀랍으로 고정하여 도망쳤지만, 비행의 과욕으로 태양 가까이에 가게 돼서 결국 추락하여 죽게 되는 이카루스의 이야기를 담은 것으로 예상된다. 이렇게 그리스 로마신화 이야기 관점에서 보면, 마티스의 <이카루스> 작품은 떨어지는 이카루스의 모습을 표현한 것으로 해석된다.
<이카루스>는 하늘은 파란색, 사람은 검은색, 심장은 빨간색, 별무늬는 노란색으로 표현되어 있다. 이는 사람이 하늘에서 떨어지는 듯하면서도 위로 향해 있는 팔과 노란색으로 빛나는 별무늬와, 검은색과 대비되어 강조되어 보이는 빨간색으로 인해서 다시 날 수 있다는 희망이 느껴진다. 이를 마티스의 생애와 비교해 보았을 때, 노년의 삶이 지병으로 힘들지만, 수술로 인해 제2의 인생을 살게 되고 컷아웃이라는 새로운 표현 기법을 통해서 자신의 예술을 계속해서 지속해오고자 했던 마티스 노년의 삶과 <이카루스> 작품이 닮았다는 것을 알 수 있다. 어쩌면 <이카루스> 속 사람이 작가 마티스의 모습은 아닐까?
마지막으로 <이카루스>가 제작됐던 1946년을 고려하면, 작품 속에 보이는 추락하는 사람이 제2차 세계대전 당시 전사한 공군 비행사를 의미한다는 것을 유추할 수 있다. 실제로 이것이 <이카루스> 작품에 대해 공식적으로 알려진 내용이다.
앙리 마티스, <푸른 누드 II>, 1952, 콜라주, 116.2 x 88.9 cm, 조르주 퐁피두센터.
이어서 볼 마티스의 컷아웃 대표작은 <푸른 누드 II>이다. 총 4편의 동명 연작 중 하나인, 파란색 색종이를 오려서 표현한 <푸른 누드 II>는 인간의 몸 형태를 간략하게 표현하고 있고 채색은 오로지 파란색만 사용했다. 이렇게 콜라주 기법으로 완성된 이 작품은 마티스의 말년 작품임에도 불구하고 젊은 시절 마티스의 작품에서 두드러졌던 야수주의적 특징을 보인다. 파란색이라는 원색을 사용하여 사물(현 작품에서는 인간)이 가지고 있는 고유의 색에 얽매이지 않았고, 형태 변형을 통해서 작품을 표현했다. 여성의 모습을 사진 속에서 보는 것처럼 똑같이 그리지 않고 타원형 머리 아래로 돌출된 가슴 모양을 비롯해, 단순화시켜서 간결하게 표현했다. 이는 형태를 개념적으로 이해했다고 볼 수 있다. 또한 관절 부분을 띄우면서 파란색 종이를 붙여, 전반적인 작품의 느낌이 조각적이고 입체적으로 느껴진다. 팔과 머리, 왼쪽 다리와 오른쪽 다리, 몸과 다리 부분이 서로 겹쳐져 있는 모습도 공감각적으로 느끼게 해준다. 따라서 이 작품은 형태를 파란색으로 간결하게 조각처럼 표현하여 장식적이고 추상적인 요소도 있지만, 입체적으로도 느껴지는 작품으로 볼 수 있다. 분할된 면으로 인해서 평면적으로 다가오기도 하지만, 한편으로는 입체적으로도 다가온다. 이는 단순해 보이지만, 명확한 인체에 대한 연구를 통해 도출된 작품임을 알 수 있다.
더불어 1907년 마티스의 야수주의 전성기 대표작인 유화로 제작한 <푸른 누드>와 비교했을 때, <푸른 누드 II>는 더 간결해진 모습을 볼 수 있다. 1907년 <푸른 누드> 작품에서도 <푸른 누드 II> 작품에서처럼 여성을 한 손은 구부려 머리 위에 올려두고 다리는 꼬아서 겹쳐져 있는 모습으로 표현했기 때문이다. 물론 <푸른 누드 II> 제작 당시 1907년 <푸른 누드> 작품을 염두에 두고 제작했는지는 알 수 없다. 하지만 제목이 같고 비슷한 형상을 표현한 것에 반해, 표현 방식과 전반적인 작품의 느낌이 다르다는 점이 흥미로운 지점이다. 이는 말년으로 갈수록 점점 단순화되는 마티스의 작품 동향을 알 수 있다.
이렇듯 마티스는 컷아웃 기법을 통해서 색채와 형태를 완벽하게 통합하여 선과 색의 우선순위에 대한 고민을 해결하고자 했고 말년에 지병으로 인해 아픔에도 불구하고 계속해서 작품 활동을 할 수 있었다.
본 전시는 야수파 대표 화가로 알려진 마티스의 유명했던 시절을 조명하는 것이 아닌, 제2의 인생에 주목했다는 점에서 시사하는 바가 있다. 유명했던 야수파 작가로 알려진 시기 이외의 마티스의 삶과 작품에 대해 알 수 있었고 전성기 그 이후의 작가의 삶에 대해 생각해 보는 시간을 가질 수 있었다. 평생을 유화로 작품을 그린 화가가 더 이상 유화를 하지 못하게 됐을 때, 얼마나 상실감이 컸을까. 생애를 마감하는 날까지 작품 활동을 하기 위해서 ‘컷아웃’ 기법을 활용한 마티스가 예술가로서 대단했다. 또한 이러한 표현 방법이 단순히 작품활동을 지속하기 위한 수단으로 끝나는 것이 아닌, 선과 색에 대한 마티스의 오랜 고민을 해결하는 매개체로서 작용하여, 발전된 마티스만의 화풍을 완성할 수 있었다는 점에서 의미가 있다고 생각한다. 이렇게 마티스가 컷아웃으로 보여준 간략하고 함축적인 형태가 훗날 20~21세기 추상미술과 미니멀리즘 디자인 영역에 영향을 끼친다는 점에서 마티스의 말년의 작품에 대해서도 관심을 가질 필요가 있다. 작가의 성격이 두드러지게 드러나는 시기의 작품을 분석하는 것도 중요하지만, 상대적으로 주목받지 못한 시기의 작품에 대해서도 주의깊게 바라보는 건 어떨까. 이러한 작품에 한 번쯤은 눈길을 둘 필요가 있다.
새로운 도전을 위해 가위를 든 예술가 앙리 마티스
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덧붙이는 글 | 이 기사는 이정희 시민기자의 개인 블로그(http://5252-jh.tistory.com)와 에도 실립니다.
안과에 가서 검사를 하면 오른쪽 눈이 잘 안 보이기도 하지만 물체의 색이 바래서 보인다. 안 보이는 것보다 세상의 빛깔을 잃어간다는 사실에 검사를 할 때마다 울적해진다. 나이듦이란 세상에 태어나 누리던 것들을 조금씩 놓아가는 과정인 듯하다.나의 경우에는 백내장 초기라지만 왼쪽 눈은 시력이 나와서 글을 쓰고 살 만하니 다행이라고 해야하나. 그런데 만약에 나이가 들고 병이 생겨 일을 할 수 없는 상황이 되면 어떨까. 그런 질문에 대한 답을 화가 앙리 마티스가 전해준다.지난 10월 31일부터 내년 3월 3일까지 마이아트뮤지엄에서 앙리 마티스의 탄생 150주년 특별전시회가 진행 중이다.앙리 마티스라고 하면 사람들에게 어떻게 기억될까? 아마도 학창 시절 미술 시험을 보기 위해 “야수파 앙리 마티스” 하고 외웠던 기억이 날지도 모르겠다. ‘야수’라는 정의처럼 선명하게 대비되는 붉고 초록의 커튼이 드리워진 방을 그린 교과서 속 그림이 떠올려 질 것이다.미술에 조금 더 관심 있는 사람이라면 나신의 사람들이 둥글게 원을 그리는 이나, 가위로 잘라낸 자유 분방한 푸른 여성의 나신들의 콜라주 작업인 연작 시리즈를 떠올릴지도 모르겠다.현직 화가인 윤석화 도슨트는 종이로 오린 콜라주 작품인 마티스의 블루 누드 연작을 아이라도 오릴 수 있는 작품이라고 폄하하는 것에 분노를 숨기지 않았다. 도슨트의 열정적인 해설에 도움을 받아 접한 마티스의 작품들은 그저 나이듦과 병으로 붓을 잡을 수 없어 대신한 작품들이 아니었다. 외려 그것들을 지렛대 삼아 삶의 불꽃이 다하는 순간까지 예술혼을 불태운 도전이었다.1869년에 프랑스 북부에서 태어난 앙리 마티스는 부모님의 뜻에 따라 법률가가 되었다. 하지만 맹장염으로 인해 무려 2년 동안 병석에 누워있어야 했던 그는 ‘법’과는 정반대인 미술로 방향을 틀게 되었다. 그렇게 앙리 마티스의 일생에서 ‘육체적 고통’은 그에게 삶의 ‘전환점’으로 작용한다.전시회는 우리가 교과서를 통해 배웠던 야수파 앙리 마티스를 지나 노년기의 마티스로부터 시작된다. 마티스는 그의 생애만큼 다양한 미술 사조의 경향들을 작품에 반영해왔다.고흐 등 당대 인상파 화가들과 교류했던 흔적이 고스란히 남은 신인상주의적 그림부터 선과 색이 보다 강렬하게 드러난 야수파의 시절을 경유하며 화가로서 인정 받을 수 있었다. 육체적으로는 비록 고통을 받았을지언정 예술가로서는 보다 안정적 위치에 오른 시절인 장년, 노년의 마티스이다.여기서 전환점이 되는 작품은 많은 사람들이 알고 있는 이 아닐까 생각된다. 인상주의의 등장으로 사물을 화가의 시선으로 ‘각색’한 그림들이 새로운 조류로 인정받았지만 아직 ‘구상’이 대세이던 시절, 마티스가 단순화된 형태와 명쾌한 색으로 구성된 작품 을 선보인다. 당연히 그의 첫 시도는 아직 평단과 화상 그리고 대중적 이해를 받을 수 없었다.마티스의 블루 누드 연작에 대해 도슨트는 강조한다. 전시회의 마지막 코너에 마련된 오리기 작업 코너에서도 확인해 볼 수 있듯이 그 누구라도 오려낼 수 있는 작품이 아니라는 것이다. 이미 마티스의 머릿속에 작품이 온전히 구현되어 있지 않고서는 나올 수 없는 ‘예술적 이벤트’라는 것이다.그러기에 오랫동안 앙리 마티스의 친구이자 경쟁자였던 피카소가 앙리 마티스가 병석에 누워서도 가위를 사용하여 새로운 도전을 하는 것에 대해 시기를 숨길 수 없었을 것이다.말년에 ‘가위를 활용한 콜라주’를 통한 자신의 작품 세계에서 보다 자유로운 도전은 전시회의 제목 ‘재즈’와 통한다. 구상화된 소묘에서 오블리스크 연작 과정을 통해 보다 단순화되고 장식적인 화풍으로의 전환, 그리고 석판화집에서 보다 추상화되어 가는 대상들의 등장은 화집 표지 ‘이카루스’를 통해 가장 명징하게 드러난다. 작품 세계의 변화에 대한 이해를 하고 나면 앙리 마티스의 ‘이카루스’가 그 어떤 구상화적 표현의 이카루스보다 구체적으로 다가온다.모델들의 소묘로 시작된 전시회는 말년 ‘by 앙리 마티스’라는 말이 가장 어울릴 로사리오 대성당으로 마무리된다. 이 전시회의 흐름은 우선 얼굴이 분명하게 드러난 모델들의 데생이 로사리오 성당 벽면에 둥근 원으로 대체된 성모자상으로 이르게 된 구상에서 추상으로의 과정이다.개인적으로 전시회를 보며 내내 궁금했다. 초반 전시된 모델의 데생에서는 모델의 표정들이 생생하게 드러난다. 마티스가 모델에게 가장 어울리는 자세와 표정이 나올 때까지 집요하게 관찰한 결과이다. 무심한 듯한 표정과 가장 자연스러운 포즈는 한 여인의 순간을 가장 절묘하게 포착해 낸다.하지만, 그랬던 마티스가 작품을 거듭할수록 인간을 표현해내는데 가장 결정적인 이목구비를 ‘상실’시킨다. 이목구비가 사라진 텅빈 얼굴, 그 이유가 무엇일지 도슨트에게 질문했다.도슨트의 답은 마티스가 보는, 즉 화가가 인식한 대상을 넘어 화가가 그린 그림을 보는 관객 각자가 해석해내는 그림의 ‘자유’를 추구했다는 것이다. 그리고 그것이 바로 미술사에서 ‘구상’에서 ‘추상’으로 넘어가는 결정적 장면이라는 것이다. 그렇게 우리는 전시회를 통해 미술사의 터닝 포인트를 확인할 수 있다.즉 화가의 눈에 비친, 화가의 눈으로 본 대상을 ‘상실’ 시켜 그림을 보는 이들의 주체성을 부여하는 ‘자유로움’을 향한 여정은 바로 미술사에서 추상의 탄생 과정에 다름 아니다. 로사리오 성당 벽면의 텅빈 얼굴을 통해 신자들을 저마다의 성스러움에 다가가기를 앙리 마티스는 유도했다.성모자상의 얼굴을 과감하게 생략한 앙리 마티스도 마티스이지만 그런 성당을 지을 수 있도록 만든 프랑스 천주교의 예술적 유연함에 새삼 경의를 표하게 된다. 그러기에 흑백의 단순한 벽에 비친 푸른 스테인드 글라스를 통한 햇빛의 경이로운 조화라는 천재적인 예술 작업을 만날 수 있게 된 것이다.말년의 앙리 마티스는 젊어 캔버스를 통해 표현했던 자신의 작품 세계를 다양한 콘텐츠를 통해 확장해 간다. 석판화집을 비롯하여 스트라빈스키의 무용 작품 의 무대 의상, 스스로 선정한 시인들의 작품집에 삽화, 그리고 로사리오 성당에 이르는 다양한 방식을 통해 전방위적 예술가로서 자신의 작품 세계를 넓혀간다.2차원적 평면에 강렬한 색으로 표현되었던 마티스의 세계는 시의 해석을 통한 세계의 확장을 시도했으며, 무대 위 그리고 건물의 벽면을 통해 3차원적 영역으로 한계를 뛰어넘게 된 것이다. 그리고 그런 모든 작업은 그가 두 차례의 암 수술을 하며 붓조차 쥐는 것이 쉽지 않은 과정에서 이루어진 것이다.은 그렇게 우리가 미술사를 통해 접했던 모더니즘의 발전, 그리고 추상의 등장을 고스란히 이해할 수 있는 시간이다. 또한 그런 미술적 이해를 넘어 평생을 병마와 우울증으로 고통받으면서도 세상에 자신의 고통을 이해받으려 하는 대신, 그럼에도 불구하고 세상의 기쁨과 환희를 주는 작품을 그려내고자 하는 인간 마티스를 만나게 되는 과정이기도 하다.어려서 부터 노년에 이르기까지 끊임없이 인간 마티스를 주저앉혔던 병마, 그리고 그가 살아온 시간 동안 겪었던 두 차례의 전쟁, 그리고 개인사까지, 마티스의 그림 속에서는 드러나지 않는다. 대신 그럼에도 죽는 날까지도 멈추지 않았던 그가 자신의 종교와 믿음이라 여겼던 예술을 향한 성실한 구도자의 모습을 만날 수 있다. 아마도 그가 더 생존했더라면 우리는 또 다른 마티스를 만나게 되었을 것이다.
그림·사진 > 앙리 마티스 JAZZ 콜라주 판화 포스터 인테리어 액자
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